Danae: l'analisi del dipinto di Tiziano

Tramite: O2O
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Introduzione

Personalità stravagante e suggestiva, Tiziano Vecellio ha vissuto in un tempo lacerato da sismi profondi, illuminato dal tramonto apparente dei soli metafisici preesistenti. Dallo stile del pittore si sono andate a delineare molte personalità artistiche, fino al grande Renoir e all'italiano Mancini. In un Cinquecento ricco di identità instabile, la figura del Vecellio giganteggia. Se da giovane aveva respinto l'invito del Bembo e si era rifiutato di collaborare con la Corte pontificia, a questa declinazione risale la vena che sfocerà più tardi nelle ioniche rivelazioni come quella da cui è nata Danae, una delle sue opere più alte. Nella guida che segue, l'analisi del dipinto di Tiziano.

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La tela di Danae

La tela di Danae, con ogni probabilità iniziata da Tiziano a Venezia nel 1544 e terminata a Roma durante il suo soggiorno del 1545-1546, fu realizzata per il cardinale Alessandro Farnese, nipote di papa Paolo III. Rimasta nella capitale fino al 1649, subì innumerevoli spostamenti (a Parma, a Napoli, a Palermo e quindi nuovamente a Napoli). Trafugata da Hermann Goering durante la seconda guerra mondiale, fu recuperata in Austria dopo la fine del conflitto e riconsegnata allo Stato italiano nel 1947.

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Il messaggio dell'opera

Quest'opera rappresenta esemplarmente l'evoluzione del linguaggio del pittore cadorino dopo il confronto con l'esperienza del manierismo italiano che ha caratterizzato i suoi lavori dei primi anni quaranta, come per esempio il "San Giovanni Battista" dell'Accademia oppure "L'incoronazione di spine" del Louvre. In Danae l'attenzione per i valori plastici ravvisabile in quelle opere viene superata, in favore di uno stile più originale, caratterizzato dalla massima libertà tecnica e cromatica, di cui Tiziano volle dare una lampante dimostrazione proprio nella Roma dominata da Michelangelo.

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Composizione e colore

Una diagonale che si estende dall'angolo in alto a sinistra verso il basso a destra disegna i dipinti, stabilendo la giustapposizione tra l'amante e la sua cameriera - e di conseguenza tra il figurativo e il letterale. L'abbondante figura di Danae, scintillante su fogli bianchi, occupa il triangolo risultante più basso (dove si accumula tutta la luce), la cameriera scura e scomoda nel secondo triangolo superiore. Inoltre, molte delle linee creano paralleli, generano un ritmo visivo e producono poligoni tentativi che tracciano, con l'assistenza del colore, una divisione più globale e una logica visiva. Queste diagonali energetiche impongono un senso intenzionale di movimento e di dinamismo. Il movimento diventa particolarmente importante nel contesto immediato locale dell'infiltrazione di Zeus (i flussi di monete sono disposti anche in linee veloci e discendenti) da quello che sembra una dimensione diversa. L'energia e la forza pura del movimento conferiscono alla composizione una sorta di sapore proto-barocco. Il colore svolge un importante ruolo compositivo, contribuendo a dividere il pezzo in aree logiche e segnando i punti di riferimento più drammatici. Il contrasto, tra tonalità scure e luminose, come pure tra toni caldi e freddi, pompano "succhi visivi" nel quadro generale, rendendolo più dinamico, vivido e flessibile.

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Il messaggio erotico

Il soggetto mitologico del dipinto è di carattere dichiaratamente erotico: Danae, figlia del re di Argio Acrisio, prigioniera in una torre di bronzo, viene sedotta da Giove trasformatosi in una pioggia d'oro. Riproducendo la metamorfosi terrena del padre degli dei, Tiziano realizza questo quadro stendendo il colore sulla tela con pennellate morbide e sinuose, con una tecnica che esclude il disegno preparatorio. L'essenza dell'opera Tizianesca del disegno e del chiaroscuro, confermata dalle recenti indagini radiografiche, era già stata notata da Michelangelo che, secondo il Vasari, dopo aver visto la Danae che Tiziano aveva appena terminato di dipingere a Belvedere, avrebbe completato il dipinto lodandone il "colorito" e la "maniera", ma lamentando, appunto, l'assenza di disegno.

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